Si le rôle du musicien créateur est de composer de la musique, celui de l’arrangeur musical est de structurer tous les éléments d’un morceau afin qu’il soit sublimé dans son ensemble. L’arrangeur doit travailler les instruments un à un pour rendre une composition enregistrée ou jouée optimale. L’objectif ? Que l’arrangement musical convienne autant à enregistrement studio qu’à une diffusion d’un concert en live.

Grâce à quelques conseils avisés, Newzik vous apporte ici quelques techniques pour maitriser l’arrangement d’un morceau de musique et adapter la piste audio d’un instrument à tout un ensemble. Suivez nos astuces pour apprendre comment bien réaliser un arrangement musical et choisir les bons outils pour soigner l’ensemble d’une composition !

Qu’est-ce qu’un arrangement en musique ?

Un arrangement musical consiste à prendre une composition déjà existante et à l’adapter, le plus souvent pour un ensemble plus vaste ou pour une interprétation différente. Ce travail d’arrangement peut entraîner une reconfiguration de l’orchestration, des harmonies, du rythme et des textures sonores afin que chaque instrument soit mis en valeur tout en restant cohérent avec l’ensemble.

L’arrangement musical d’un morceau chanté

S’il s’agit d’une chanson, l’arrangement musical peut inclure des ajustements vocaux, comme la création de chœurs ou de contre-chants, ainsi que l’ajout d’instruments pour enrichir la texture musicale. L’arrangeur travaille souvent à partir d’une simple mélodie et d’une ligne d’accords, en ajoutant des éléments comme des percussions, des cordes ou des synthétiseurs pour donner plus de profondeur et de dynamisme à la chanson.

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L’arrangement musical en studio

L’arrangement en studio se concentre sur les détails sonores et la qualité d’enregistrement. En plus de l’orchestration, l’arrangeur en studio peut ajuster l’équilibre entre les instruments, jouer avec les effets (réverbération, delay, compression, etc.) et peaufiner la structure pour s’assurer que le morceau fonctionne bien dans un contexte d’enregistrement. Cela peut également inclure des ajustements au mixage pour améliorer l’audio sur différents types de diffusion (radio, streaming, vinyle).

💿 Certains arrangeurs s’aident parfois de logiciels de composition et de montage audio virtuels pour construire leur arrangement et y ajouter des effets. Ils s’aident alors de samples et travaillent des pistes musicales numériques, c’est ce qu’on appelle de la Musique Assistée par Ordinateur (MAO).

L’arrangement musical pour un orchestre

L’arrangement musical d’un orchestre consiste à adapter une œuvre, souvent initialement composée pour un plus petit ensemble ou pour un instrument solo, à un orchestre complet. Cela nécessite une connaissance approfondie de l’orchestration, car chaque instrument doit être utilisé de manière optimale en fonction de sa tessiture et de son rôle dans l’ensemble. Ce type d’arrangement est couramment utilisé pour les pièces classiques, les bandes originales de films ou les adaptations de chansons populaires pour orchestre symphonique.

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Comment arranger une composition ou un morceau de musique ?

Travailler la structure du morceau

Un bon arrangement dépend tout d’abord d’une solide compréhension de la structure du morceau. Décomposer les différentes sections (intro, couplets, refrains, pont, outro) et les organiser de manière à créer un flux naturel est essentiel. Cette étape permet aussi de mieux répartir les interventions des instruments et d’éviter toute surcharge sonore.

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Avoir une vision globale du morceau

Il est facile de se concentrer sur les détails lorsqu’on travaille sur un arrangement. Cependant, il est très important de garder une vision d’ensemble : paroles, accords, tempo et harmonie. Posez-vous la question : quel est le sentiment général que doit évoquer ce morceau ? Quels sont les moments clés que vous souhaitez mettre en avant ? Cette vision vous guidera dans les choix d’instrumentation et de dynamique.

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Soigner les transitions

Les transitions entre les différentes sections d’un morceau sont souvent sous-estimées, mais elles jouent un rôle essentiel. Un bon arrangeur sait comment gérer les transitions pour que les passages d'une section à une autre soient fluides et harmonieux. Par exemple, l’ajout de crescendos, de changements subtils de tempo, ou d’un bref silence peut rendre ces transitions beaucoup plus impactantes.

Créer du contraste et de la dynamique dans une œuvre musicale

L’un des principes indispensables de l’arrangement est la création de contraste. En variant les dynamiques, les textures sonores et les interventions des instruments, vous créez de l’intérêt et maintenez l’attention de l’auditeur. Par exemple, alterner entre des passages intenses et des moments plus calmes donnera plus de relief à votre arrangement. Un travail sur la texture et la progression harmonique peuvent amplifier cette dynamique :

• Jouer sur l’orchestration et la texture

L’orchestration consiste à attribuer différents rôles aux instruments dans votre composition. Jouez avec les timbres pour créer une texture sonore variée. Par exemple, des violons pourraient ajouter de la douceur, tandis que des cuivres pourraient apporter du dynamisme. L’interaction subtile entre les instruments renforce la profondeur de votre pièce.

• Travailler sur la progression harmonique

Les accords jouent un rôle primordial dans la profondeur harmonique. Commencez par tester l’assemblage d’accords complexes pour créer une certaine émotion chez l’auditeur. Une progression harmonique bien pensée donnera à votre composition une profondeur émotionnelle et narrative.

Éliminer les éléments superflus de la composition

Il peut être tentant d’ajouter plusieurs éléments pour enrichir un morceau, et pourtant, le trop-plein d’instruments ou d’harmonies peuvent alourdir une composition. Parfois, un arrangement efficace consiste à supprimer certains éléments pour que l'essentiel puisse briller. Soyez attentif aux moments où un simple piano ou une guitare peut suffire à soutenir la mélodie principale.

4 techniques pour adapter l’arrangement de son instrument à un ensemble

1. Maîtriser une partition d’orchestre sur le bout des doigts

Tempo, rythme, harmonie : étudiez en détails chacune des portées, des grilles d’accord, etc. Analysez et apprenez chaque passage d’instrument pour connaître les enchaînements de l’œuvre musicale originale. En maîtrisant chaque nuance, vous pourrez plus facilement harmoniser les instruments et ajuster l’arrangement en fonction des forces de l’ensemble.

2. Utiliser les bons outils pour peaufiner son arrangement

Si vous voulez vous faciliter la tâche, n’hésitez pas à vous accompagner d’un logiciel de montage audio adapté à la composition que vous devez arranger. Les logiciels d’arrangement et de montage audio sont des outils utiles pour travailler de manière précise. Ableton Live, Logic Pro ou encore Sibelius permettent par exemple de visualiser, d’éditer et de synchroniser facilement vos parties instrumentales. Utilisez ces logiciels pour peaufiner chaque détail de l’arrangement et tester différentes versions avant d’arrêter votre choix final.

3. Adapter le jeu de son instrument à l’ensemble des instruments présents sur un morceau

Qui dit arrangement, dit adaptation. Dans un bon arrangement, chaque instrument doit détenir la bonne tessiture, le bon placement et le bon tempo pour se trouver en harmonie avec les autres types d’instruments. Dans un arrangement réussi, chaque instrument doit avoir sa place spécifique. La tessiture, la dynamique et la répartition spatiale (placement dans le mixage) sont des éléments à prendre en compte pour que chaque instrument se fonde harmonieusement avec les autres. Le but est de créer un équilibre avec lequel chaque voix instrumentale est entendue sans dominer les autres.

4. Travailler son arrangement en mono-piste puis en multipistes

Avant d'entrer dans les détails du mixage stéréo, il est souvent utile de travailler d'abord en mono-piste : c’est-à-dire de travailler instrument après instrument. Cela vous permet de vous concentrer sur l'équilibre global des volumes et des dynamiques sans être distrait par la spatialisation des sons. Une fois satisfait de votre travail en mono, vous pouvez passer au multipistes et soigner la stéréo en plaçant l’ensemble des instruments dans l’espace sonore.

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