Comment maîtriser sa voix pour chanter dans une comédie musicale ? Conseils et exercices
Des envolées vocales romantiques de West Side Story aux voix énergiques dans Grease, le chant est le cœur vibrant de la comédie musicale. Mais chanter dans ce registre demande bien plus que de connaître ses paroles : il faut de la technique vocale, du souffle… Et beaucoup d’expression scénique.
Vous rêvez de monter sur scène ? Vous êtes au bon endroit ! Newzik vous guide pour travailler votre voix, apprendre les bonnes techniques vocales, et bien interpréter des chansons pour maîtriser l’art du chant en comédie musicale.
Quel est le rôle du chant dans la comédie musicale ?
Un registre scénique populaire grâce à la chanson
À mi-chemin entre théâtre, concert et performance chorégraphiée, la comédie musicale est un registre scénique unique. Né au début du XXème siècle, le genre s’inspire de plusieurs registres traditionnels : l’opéra, le cabaret ou encore le music-hall.
Beaucoup de comédies musicales ont connu un triomphe sur les planches et au cinéma grâce à la popularité de leurs compositions musicales. You’re The One That I Want, America, Circle Of Life, Let The Sunshine In : certaines chansons issues de comédies musicales populaires sont devenues des morceaux cultes de l’histoire de la musique.
Le chant : une technique phare de la comédie musicale
Une comédie musicale est un genre musical qui vibre au rythme des chansons et des chorégraphies. Le chant fait vivre la pièce en guidant l’action et la narration. Chaque chanson donne du caractère au personnage, apporte de l’intensité et de l’émotion aux scènes.
Impossible donc d’imaginer une comédie musicale sans le chant. Constamment en mouvement, les chanteurs doivent maîtriser une technique vocale solide et faire preuve d’une bonne endurance physique.
Mêlé à la danse et au jeu théâtral, le chant demande une technique vocale avancée. Chanter dans une comédie musicale implique de maîtriser sa voix tout en bougeant, en jouant, et en transmettant des émotions fortes.
Quelles sont les techniques vocales en comédie musicale ?
Quelle que soit sa signature vocale, un chanteur de comédie musicale doit être capable de lier les registres de poitrine et de tête. Voici quelques techniques vocales couramment pratiquées dans les comédies musicales et des idées d’exercices pour les travailler.
Le belting (ou “belt”)
Le belting est une technique de projection vocale puissante, typique du style Broadway, que l’on rencontre aussi dans le registre gospel. La technique du belting consiste à chanter des notes aiguës avec la force de la voix de poitrine, sans passer en voix de tête. Le belting est particulièrement adapté aux solos et souvent utilisé dans les registres de voix moyens à aigus. Cette technique convient aux voix fortes et bien soutenues (soprano ou mezzo chez les femmes et baryton ou ténor chez les hommes).
Réputée pour sa maîtrise du belting, Barbara Streisand le pratique notamment dans la célèbre comédie musicale Hello, Dolly.
3 exercices pour maîtriser le belting
1. Faire des vocalises sur voyelles ouvertes ("ma", "ya", "na") : chantez sur une gamme ascendante en gardant la sensation de voix de poitrine dans les aigus. Votre objectif : trouver la bonne résonance de voix sans avoir à forcer.
2. Respirer en bloquant votre abdomen : inspirez profondément en engageant le diaphragme, bloquez 3 secondes, puis expirez lentement tout en vocalisant sur "ah". La respiration permet d’optimiser notre capacité pulmonaire pour maintenir une note vocale (même haute) sur la durée pendant un refrain en solo par exemple.
3. Pratiquer l’exercice du "cry-belt" : imitez une voix plaintive en prolongeant les voyelles d’une parole. Exemple : si vous chantez la phrase “I don’t know”, insistez sur le “o” de “know”. Cela vous permet de placer plus facilement votre voix.
Le speech level singing (ou “speak singing”)
Cette technique vocale repose sur l’idée de chanter comme on parle, dans une posture vocale naturelle, fluide et équilibrée, sans exagération. Le speech level singing offre une grande liberté dans toute la tessiture, et permet de maintenir une voix souple sur la durée. Adapté à tous les types de voix, le speech level singing est parfait pour amener des transitions naturelles entre parlé et chanté, dans des styles pop, folk ou jazz.
Les comédiens utilisent notamment cette technique dans certaines scènes du chef-d'œuvre culte Singing In The Rain avec Gene Kelly.
3 exercices pour maîtriser le speech level singing
1. Lire un texte, puis le chanter sur une seule note : lisez une phrase, puis chantez-la sur une note médium en gardant le même débit et un ton naturel. Cet exercice permet de lier plus simplement la parole et le chant.
2. Réaliser des glissandos doux (glissement d'une note à une autre) : faites glisser les notes du grave à l’aigu pour connecter les registres sans casser votre voix.
3. Chanter en "parlé-posé" : prononcez une phrase avec intention (exemple : "I love to sing"), puis reprenez-la en la chantant tout en conservant la même posture vocale. L’objectif : stabiliser votre voix pendant les prises de parole chantées.
Le parlé-chanté (ou “phrasé”)
Technique hybride entre chant et parole, le parlé-chanté consiste à exprimer un texte de façon mélodique, parfois sans même donner de la hauteur à sa voix. Utilisée pour renforcer la narration dans un rôle de composition, cette technique ne nécessite pas une tessiture trop étendue, mais requiert un contrôle du timbre, de l’articulation et du débit de la voix.
Très courant dans les comédies musicales modernes, le parlé-chanté est pratiqué dans l’une des productions récentes de la pièce Hamilton.
3 exercices pour maîtriser le parlé-chanté
1. Répéter avec le rythme d’un métronome : lisez un texte au rythme d’un métronome, puis ajoutez progressivement une hauteur pour maîtriser le débit, le rythme et le phrasé musical.
2. Improvisez sur des notes fixes : choisissez une note et parlez dessus avec une émotion marquée. Variez ensuite les notes pour jouer avec l’intonation et la musicalité de la parole.
3. Travailler sa diction et son intention : prenez un texte parlé (dialogue ou monologue) et articulez-le avec exagération, puis intégrez-le dans un rythme musical. Cela améliorera votre clarté et votre expression.
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La voix mixte
La voix mixte est une technique qui permet de lier harmonieusement la voix de poitrine et la voix de tête, pour obtenir un son homogène sur toute la tessiture. Cette technique est très utile pour naviguer entre les graves et les aigus sans créer de rupture vocale.
Indispensable pour les interprètes qui couvrent une large tessiture, la voix mixte permet de monter progressivement en intensité et est particulièrement présente dans les duos ou les ballades. C’est le cas du titre Defying Gravity, issu de la comédie musicale Wicked.
3 exercices pour maîtriser la voix mixte
1. Réaliser des glissés du grave à l’aigu : vocalisez lentement en glissant d’une note à une autre sans changer de registre pour fusionner votre voix de poitrine et de tête sans rupture.
2. Soutenir une note : tenez une note médium et augmentez légèrement le volume, sans changer de registre.
3. Répéter une séquence de voix mixte : utilisez différentes voyelles telles que “a”, “o” ou “i” pour sentir la résonnance de votre voix et identifier son placement optimal selon la voyelle chantée.
La technique du chant lyrique
Technique vocale classique inspirée du chant d’opéra, le chant lyrique dans la comédie musicale requiert une puissance vocale importante et un bon contrôle du vibrato. Le registre lyrique demande souvent une tessiture étendue et convient parfaitement aux voix formées au classique (soprano, ténor, etc.).
On retrouve du chant lyrique dans des drames historiques inspirées de la musique classique, comme dans certaines représentations modernes de la pièce Les Misérables.
3 exercices pour maîtriser le chant lyrique
1. Faire des vocalises en legato sur "o" ou "u" : travaillez sur des gammes lentes avec un vibrato naturel pour exercer la souplesse de votre voix et maintenir votre ligne vocale.
2. Exercer le souffle contrôlé : inspirez profondément, retenez votre souffle, puis expirez en vocalisant sur “vooo” pendant 10-15 secondes pour apprendre à maîtriser votre vibrato.
3. Travailler son “masque” vocal : chantez sur des consonnes nasales ("ng", "m", "n") pour sentir les vibrations de votre visage et placer la résonance de votre voix.
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5 conseils pour bien interpréter et chanter une chanson de comédie musicale
Travailler sa voix pour la comédie musicale nécessite d’entraîner son souffle, sa posture et sa présence. Voici quelques conseils pour apprendre à maîtriser plus facilement sa voix sur scène :
1. Choisir une chanson adaptée à votre tessiture
Chanter un morceau trop aigu ou trop grave par rapport à votre tessiture vocale peut forcer votre voix et abîmer vos cordes vocales, mais aussi vous faire perdre en justesse ou en énergie.
Identifier votre tessiture vocale et choisir un morceau dans lequel votre voix peut vraiment s’exprimer est donc très important pour faciliter votre chant dans une comédie musicale.
2. Identifier les émotions à transmettre
Avant de chanter, demandez-vous : qu’éprouve le personnage à ce moment de l’histoire ? Colère, nostalgie, joie, détermination… Rappelez-vous : dans une pièce, c’est l’émotion qui guide l’intention vocale. Bien comprendre les émotions d’une comédie musicale vous permettra de donner du relief à votre voix et d’ajouter des effets à votre intérprétation.
3. Apprendre les paroles par cœur
Bien interpréter une chanson, ce n’est pas simplement savoir chanter juste. Cela implique aussi de pouvoir lâcher prise. Et pour ça, le secret, c’est de ne pas avoir à se focaliser sur les paroles. Connaître parfaitement son texte permet justement de se libérer de la lecture et de se concentrer sur l’interprétation. Cela permet aussi de jouer avec la dynamique, le phrasé et les silences.
Répétez autant que vous le pouvez jusqu’à vous sentir à l’aise pour chanter tout en êtant en mouvement.
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4. Travailler l’expression scénique
Une comédie musicale, c’est aussi du théâtre. Votre corps, vos gestes, votre regard doivent refléter le personnage que vous incarnez.
Il est donc conseillé de rentrer dans la psychologie du personnage pour adopter ses attitudes corporelles et sa démarche. N’hésitez pas à vous filmer ou à travailler avec un coach scénique pour ajuster votre expressivité.
5. Faire des exercices vocaux réguliers
Comme pour tout instrument, la voix se travaille et s’entretient. Voici des entraînements à ne jamais négliger, en particulier quand il s’agit de travailler une interprétation scénique :
Echauffez votre voix : organes musculaires très fragiles, les cordes vocales doivent être échauffées avant d’être utilisée au chant. Placez-vous debout, décrispez la mâchoire, puis enchaînez quelques sons de voix en alternant bouche ouverte et bouche fermée comme “ou”, “hmmm”, “ha”, “papetipa” ou encore “zzz”.
Travaillez votre respiration : bien respirer, c’est la base du chant. Travaillez votre souffle diaphragmatique pour éviter les tensions et chanter sans forcer.
Adoptez une bonne posture corporelle : un bon alignement du corps est primordial pour libère le souffle et soutenir la voix. Pensez à vous tenir droit et relâché lorsque vous chantez.
L’idéal est de prendre des cours avec un professeur de chant, surtout pour corriger les erreurs techniques et éviter de blesser votre voix.
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